Par un arrêté du 16 août 1880, Rodin reçut du sous-secrétariat aux Beaux-Arts la commande d'une porte de bronze destinée au futur musée des Arts décoratifs. Il était convenu que ce monument serait constitué de bas-reliefs, illustrant les tourments de l'enfer que subissent les damnés, tels que les décrit Dante dans sa Divine Comédie. De ce choix iconographique lui vient le nom de Porte de l'Enfer. Afin de réaliser ce projet, le sculpteur se vit attribuer un des ateliers du Dépôt des marbres, au 182, rue de l'Université. Rodin travailla à cette commande jusqu'à sa mort en 1917, sans jamais mettre un terme à cette ambitieuse réalisation, où il souhaitait illustrer une grande allégorie des passions humaines à travers la représentation du nu.
Le texte de Dante dont est extraite la formule « Lasciate ogni speranza voi ch'entrate » qui domine le monument n'est cependant pas la seule source littéraire qu'utilise Rodin ; certains éléments s'inspireront de Baudelaire. Ainsi, l'Enlèvement auprès duquel il fait figurer le premier vers du poéme intitulé la Beauté :
« Je suis belle, ô mortels ! comme un rêve de pierre… »
Les sources plastiques auxquelles se réfère Rodin sont, elles aussi, nombreuses, et il est nécessaire de citer les influences reçues de Michel-Ange (la fresque du Jugement dernier), de William Blake ou de Gustave Doré (illustrations de l'œuvre de Dante).
Plusieurs maquettes de petites dimensions sont réalisées à partir de 1880, sur lesquelles apparaissent progressivement les différents sujets chargés d'illustrer les thèmes chers à Dante. La troisième maquette porte ainsi la représentation de Paolo et Francesca sur le vantail de gauche, tandis qu'à droite figurent Ugolin et ses fils, et qu'au-dessus des vantaux, au centre du tympan, se reconnaît déjà l'esquisse du Penseur. Le groupe des Trois Ombres, qui devait ultérieurement couronner la porte, ne faisait pas encore partie de l'ensemble.
Dans l'œuvre définitive, ces esquisses, comme les quelque deux cents autres figures ébauchées qui occuperont la porte et son encadrement, seront, après avoir été extraites du contexte, à l'origine d'un grand nombre des plus célèbres sculptures de Rodin. Citons, entre autres, le Penseur et le Baiser. À partir d'éléments dissociés de l'ensemble, et réutilisés selon les principes du marcottage, Rodin peut faire figurer des éléments semblables, mais différemment agencés, en plusieurs endroits de sa composition ; il peut aussi en faire une œuvre indépendante. Ainsi, un buste nommé la Martyre apparaît au tympan de la Porte dans le groupe la Faunesse à genoux. Mais, extrait de cet ensemble, il fait partie d'Orphée et les Ménades.
Ce n'est qu'en 1926 que fut enfin coulé le premier exemplaire en bronze de ce monument, aujourd'hui conservé au musée Rodin de Philadelphie. Quelques autres furent fondus ultérieurement, dont celui aujourd'hui conservé au musée Rodin.
source texte :
http://www.larousse.fr/encyclopedie/ehm/Portedel'enfer
Jean-Baptiste Reinhardt, plus connu sous le nom de Django Reinhardt (Liberchies, Pont-à-Celles, Belgique, le 23 janvier 1910 - Samois-sur-Seine, France, le 16 mai 1953) est un guitariste gitan de Jazz né en Belgique. Son style de jeu et de composition a ensuite été imité, donnant naissance à un style à part entière : le Jazz manouche. Issu d’une famille manouche, il est encore aujourd’hui l’un des guitaristes les plus respectés et influents de l’histoire du jazz. Trois de ses descendants sont devenus guitaristes : Lousson Reinhardt, son fils aîné issu d'un premier mariage, Babik Reinhardt, son second fils décédé en 2001, et David Reinhardt, fils de Babik, qui poursuit aujourd'hui la voie de son grand-père en tant que jazzman, en refusant de n'être qu'un simple imitateur.(...)
Hommages
A l'occasion du centenaire de sa naissance, une place dans le 18e arrondissement de Paris à été baptisée de son nom. Elle se trouve au coin de l'avenue de la porte de Clignancourt et de la rue Binet, non loin de l'endroit où le jazzman a longtemps installé sa caravane.
Compositions
Il laisse près de 100 compositions, parfois coécrites avec Stéphane Grappelli
Réalisée dès 1889, alors que Camille Claudel est en rupture avec Rodin, la valseuse, plus qu'une simple valeur esthétique, porte en elle l'expression d'une sensibilité, d'un amour intense entre deux êtres perdus dans un monde à part que l'on regarde de l'extérieur, un monde où le rythme, la musique, sont symbolisés avec force. Une sensibilité évidente par cette main que l'on ne prend pas mais que l'on effleure, par la position un peu torsadée de la danseuse autour de son partenaire qui lui assure l'assise nécessaire à ce basculement en arrière ou encore par l'enlacement des deux têtes qui achève de marquer l'union des corps dans un même moment de communion et d'émotion intenses .
Différentes versions de l'œuvre ont existé. Une version de plâtre de 1893 représentait les deux personnages avec la tête recouverte d'un voile comme pour mieux marquer la limite entre le monde extérieur et celui qui se dessine à travers la valse. D'autres exemplaires ont été créés par moulage, avec un rendu des plis de la robe plus ou moins travaillé avant que Camille Claudel ne réalise une dernière version en 1895 et qui respecte les règles et recommandations qu'elle reçut de la société de l'époque : c'est ainsi qu'elle abandonne la version dénudée de la valse, ne correspondant pas aux bonnes mœurs de l'époque, et habille les personnages pour les offrir au regard du public.
Eprouvée par des difficultés financières du fait du manque de commande et malgré le soutien de certains de ses amis tels Octave Mirbeau ou Léon Daudet, Camille Claudel est admise en 1913 à l'hôpital psychiatrique de Ville-Evrard où elle finit ses jours en 1943.
